Метка: Русский музей

Мастер конца XIX – начала XX веков Валентин Серов (1865-1911) известен, прежде всего, как живописец и график. Думаю, многие помнят, например, его знаменитую картину «Девочка с персиками», рисунок к афише «Русских сезонов» в Париже «Анна Павлова в балете «Сильфиды»». К скульптуре в своем творчестве Серов обращался редко.

В экспозиции Русского музея показаны два его скульптурных произведения на одну из ту же тему – «Похищение Европы». Одно из них (1910 года) выполнено в бронзе.

Второе – в бисквите (так называется фарфор, который обожжен один раз и не покрыт глазурью). Оно создано на основе серовской модели 1910 года на Ломоносовском фарфоровом заводе в 1920-е годы.

Обе эти скульптуры связаны с работой Серова над его поздним шедевром в стиле модерн – картиной «Похищение Европы» 1910 года, которая в настоящее время хранится в Третьяковской галерее. Даю ее фотографию из Википедии (https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%85%D0%B8%D1%89%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%B5_%D0%95%D0%B2%D1%80%D0%BE%D0%BF%D1%8B_(%D0%BA%D0%B0%D1%80%D1%82%D0%B8%D0%BD%D0%B0_%D0%A1%D0%B5%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%B0)#/media/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Europe_serov.jpg).

Согласно древнегреческому мифу, превратившийся в белого быка Зевс похитил финикийскую царевну Европу. Но Серов ушел от детальной трактовки мифа и написал быка в коричнево-оранжевых тонах. Мне всегда казалось, что доминирующие цвета картины из Третьяковки (белый, голубой и охристый) перекликаются с фреской «Акробаты с быком» из Кносского дворца. Но сложно сказать, видел ее ли художник (на репродукции или «вживую» в Кносском дворце во время поездки в Грецию в 1907 году). Вот фотография фрески из той же Википедии (https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%90%D0%BA%D1%80%D0%BE%D0%B1%D0%B0%D1%82%D1%8B_%D1%81_%D0%B1%D1%8B%D0%BA%D0%BE%D0%BC#/media/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Stiersprungfresko_02.jpg).

Кстати, в Русском музее хранится эскиз к картине из Третьяковки. Он отличается от окончательного варианта по колориту.

Во время работы над картиной Серов сделал небольшую глиняную скульптуру девушки с быком, которая, скорее всего, не сохранилась. Он использовал ее при разработке композиции картины. С этой модели и были сделаны бронзовый и бисквитный отливы, которые хранятся в Русском музее. Известны еще варианты этой скульптуры – например, два гипсовых из музея-заповедника «Абрамцево» и Новосибирского художественного музея, бисквитный из Устюженского художественного музея и не только.

Выставка Игоря Эммануиловича Грабаря (1871-1860) в корпусе Бенуа в Русском музее, посвященная 150-летию со дня рождения художника, – яркое событие в художественной жизни нашего города. Грабарь был человеком многогранным – он был не только живописцем, но и писал труды по искусству, занимался спасением произведений искусства и реставрацией, преподавал, работал в сфере архитектурного проектирования и т.д. На выставке можно увидеть работы разных периодов творчества этого замечательного мастера из Русского музея, Третьяковской галереи, из провинциальных музеев, а также частных коллекций Петербурга и Москвы.

Немало работ этого замечательного мастера, которого часто называют импрессионистом, стали хрестоматийными. Со школы я помню его работу из Третьяковской галереи «Февральская лазурь» 1904 года, которая была в учебнике по русскому языку. На выставке представлен этюд к ней «Зима» из коллекции Русского музея.

Совсем другой Игорь Грабарь в картине «Ленин у прямого провода» (1927-1933), которую тоже помню из школьного учебника истории. Эту работу художник начал писать для выставки к 10-летию Красной Армии. Тема была выбрана им из списка, предложенным Реввоенсоветом. Здесь манера письма иная – гладкая, сплавленная.

В разные периоды своей жизни Грабарь отдавал дань различным направлениям. Ранний «Портрет женщины в красном» 1898 года создан в годы учебы художника в Мюнхене в школе Ашбе. На мой взгляд, образ модели чем-то близок к картине «Грех» Франца фон Штука.

Совсем неожиданным для творчества художника выглядит мрачный индустриальный пейзаж 1901 года «Фабрика Якунчиковых в Наре», написанный в Подмосковье.

Потрясающи по красоте пейзажи и натюрморты Грабаря 1900-х – начала 1920-х годов, в которых он использует приемы импрессионистов и даже постимпрессионистов. Об этом можно говорить в его знаменитом «Сентябрьском снеге» 1903 года. Работа была написана в имении Титово в Тульской губернии, которое принадлежало его тетке. В ней нашла отражение модная на рубеже XIX – XX веков тема уходящей в прошлое помещичьей усадьбы.

«Дорожка в усадьбе» (1904), в которой художник отдает дань той же теме, своей «красивостью» и яркостью красок близка к произведениям салонного искусства. Эта работа перекликается, на мой взгляд, с пейзажами Станислава Жуковского того времени.

Вибрирующим можно назвать импрессионистичный мазок картины «В утренней росе» 1907 года.

Что-то сезанновское есть в натюрморте «Яблоки» 1915 года. Творчеством этого мастера-постимпрессиониста в 1910-х годах увлекалось немало российских художников, среди которых , прежде всего, были мастера «Бубнового валета».

Среди работ Грабаря советского периода мне больше всего нравятся портреты. Среди них хочу выделить замечательный портрет «Светлана», написанный в 1933 году. В отношении того, кто изображен на этой работе, нет единого мнения.

И еще одну работу – «Автопортрет в шубе» 1947 года.

В них художник продолжает лучшие традиции портретистов-реалистов второй половины XIX века.

Мне давно нравится чудная фарфоровая фигурка «Налим», которую можно увидеть в одной из витрин постоянной экспозиции корпусе Бенуа Русского музея. Она была сделана в 1915 году по модели Августа Карловича Тимуса (1865–1943) – скульптора Императорского фарфорового завода, жившего в России до революции 1917 года.

Тимус более 17 лет работал в скульптурной мастерской Императорского фарфорового завода. Известно более двадцати моделей его фигурок животных, рыб. «Налим», безусловно, одна из лучших его работ. Однако на большую часть его «карикатурных зверей» она не похожа.

С одной стороны, работа Тимуса – дань реалистическому направлению в русской скульптуре того времени. Но, когда смотришь на его работы, сразу вспоминаются «сельские блюда» (или «сельские глины») французского мастера эпохи Возрождения Бернара Палисси, жившего в XVI веке. Вот его знаменитая работа из Лувра.

(ее хорошая фотография нашлась в Википедии – ее адрес https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%B0%D0%BB%D0%B8%D1%81%D1%81%D0%B8,_%D0%91%D0%B5%D1%80%D0%BD%D0%B0%D1%80#/media/%D0%A4%D0%B0%D0%B9%D0%BB:Vassoio_rustico_attribuito_a_bernard_palissy_01.JPG)

А этот фрагмент другого «сельского» блюда Палисси (около 1500 года) из Музея прикладного искусства в Кельне ( Museum für Angewandte Kunst à Cologne)

(фотография из той же Википедии https://en.wikipedia.org/wiki/Bernard_Palissy#/media/File:Makk_K%C3%B6ln_Plat_Bernard_Palissy_30122014_5.jpg)

Словно живой «Налим» Тимуса явно сделан не без влияния «сельских глин» Палисси. На рубеже 19 – 20 веков скульптура анималистического жанра, создаваемая на фарфоровых заводах и России и Европе переживала новый взлет. Эта работа Тимуса –запоздалая дань эклектике, которая была одним из ведущих направлений в искусстве XIX века (не люблю слово «историзм», которое обычно используют исследователи декоративно-прикладного искусства).