Рубрика: Выставки

Выставка работ Михаила Александровича Врубеля (1856-1910), одного из самых известных русских живописцев конца XIX – начала XX веков, – безусловно, большое событие для Петербурга. Часто на популярные выставки, которые проходят в корпусе Бенуа, бывает большая очередь посетителей. Но в этот раз все было иначе. Я впервые увидела, как билеты на выставку закончились за несколько часов до закрытия музея!

Выставка посвящена 165-летию со дня рождения Врубеля. Она ретроспективная: на ней демонстрируются как знаменитые, так и малоизвестные произведения мастера, относящиеся к разным периодам его творчества – начиная от времени учебы в Академии художеств и кончая последними годами жизни. На выставке показаны произведения художника из собраний Русского музея и Третьяковской галереи, а также из частных коллекций Москвы и Петербурга. Однако хотелось бы видеть произведения Врубеля из других музеев, в том числе и провинциальных, что позволило бы более полно показать творческое наследие мастера.

Остановлюсь на некоторых представленных на выставке работах живописца.

На ней можно увидеть знаменитый шедевр Врубеля «Царевна-лебедь» 1900 года из Третьяковки. Эта картина написана под влиянием партии, которую исполняла в московской Частной опере С.И. Мамонтова жена художника певица Надежда Ивановна Забела.

Близка по теме к этой работе картина «Лебедь» из Третьяковской галереи, написанная в 1901 году.

Под впечатлением партии Волховы в опере Римского-Корсакова «Садко», которую также исполняла Забела, Врубелем несколько ранее, в 1898 году, была выполнена картина «Прощание царя морского с царевной Волховой», в которой можно говорить о влиянии стиля модерн.

Как исполнительница Надежда Забела очень нравилась композитору. Ее голос вдохновлял его на сочинение лучших партий опер. Забелу часто называли «певицей Римского-Корсакова». Врубель принимал активное участие в создании костюмов жены для спектаклей.

Ярким в этом произведении является и образ Морского царя , который появляется из воды опутанный водорослями.

Один из самых известных циклов Врубеля посвящен теме Демона, которого живописец трактовал как мятежную душу человека. На выставке показаны два из трех знаменитых полотен, посвященных этому образу.

Это «Демон сидящий» из Третьяковской галереи, написанный в 1890 году. При построении формы мастер здесь использует ломаные плоскости. Стиль модерн в данной работе сочетается с реалистической трактовкой образа. В Демоне все напряженно и драматично, он вглядывается вдаль полным тоски взглядом. Художник здесь обращается к горизонтальному формату, который создает давящее ощущение.

Продолжением этой темы стал написанный год спустя «Демон летящий» из Русского музея. Эта картина, над которой художник работал в 1899 году, осталась неоконченной.

К сожалению, на выставке отсутствует третья картина цикла – «Демон поверженный». Показана только хранящаяся в Третьяковской галерее фотография первоначального варианта картины, раскрашенная Врубелем в 1902 году.

На выставке также представлен поражающий своей трагичностью скульптурный образ Демона, созданный мастером в 1894 году.

К этому циклу относятся и иллюстрации Врубеля к одноименной поэме Лермонтова. Одна из лучших среди них – «Тамара и Демон (Не плачь дитя, не плачь напрасно!)», выполненная в 1890-1891 годах. Как и в других иллюстрациях к поэме, художник здесь стремится к максимальному соответствию тексту.

Также на выставке можно увидеть принадлежащую художнику перламутровую раковину «Морское ушко».

Она вдохновила его на серию произведений, вершиной которой стала «Жемчужина» (1904) из Третьяковской галереи. Это моя любимая работа Врубеля, но, к сожалению, ее не было на выставке.

В экспозицию входят только редко воспроизводимые эскизы к «Жемчужине». Среди них – «Тени лагун» 1903 года.

Выставка Игоря Эммануиловича Грабаря (1871-1860) в корпусе Бенуа в Русском музее, посвященная 150-летию со дня рождения художника, – яркое событие в художественной жизни нашего города. Грабарь был человеком многогранным – он был не только живописцем, но и писал труды по искусству, занимался спасением произведений искусства и реставрацией, преподавал, работал в сфере архитектурного проектирования и т.д. На выставке можно увидеть работы разных периодов творчества этого замечательного мастера из Русского музея, Третьяковской галереи, из провинциальных музеев, а также частных коллекций Петербурга и Москвы.

Немало работ этого замечательного мастера, которого часто называют импрессионистом, стали хрестоматийными. Со школы я помню его работу из Третьяковской галереи «Февральская лазурь» 1904 года, которая была в учебнике по русскому языку. На выставке представлен этюд к ней «Зима» из коллекции Русского музея.

Совсем другой Игорь Грабарь в картине «Ленин у прямого провода» (1927-1933), которую тоже помню из школьного учебника истории. Эту работу художник начал писать для выставки к 10-летию Красной Армии. Тема была выбрана им из списка, предложенным Реввоенсоветом. Здесь манера письма иная – гладкая, сплавленная.

В разные периоды своей жизни Грабарь отдавал дань различным направлениям. Ранний «Портрет женщины в красном» 1898 года создан в годы учебы художника в Мюнхене в школе Ашбе. На мой взгляд, образ модели чем-то близок к картине «Грех» Франца фон Штука.

Совсем неожиданным для творчества художника выглядит мрачный индустриальный пейзаж 1901 года «Фабрика Якунчиковых в Наре», написанный в Подмосковье.

Потрясающи по красоте пейзажи и натюрморты Грабаря 1900-х – начала 1920-х годов, в которых он использует приемы импрессионистов и даже постимпрессионистов. Об этом можно говорить в его знаменитом «Сентябрьском снеге» 1903 года. Работа была написана в имении Титово в Тульской губернии, которое принадлежало его тетке. В ней нашла отражение модная на рубеже XIX – XX веков тема уходящей в прошлое помещичьей усадьбы.

«Дорожка в усадьбе» (1904), в которой художник отдает дань той же теме, своей «красивостью» и яркостью красок близка к произведениям салонного искусства. Эта работа перекликается, на мой взгляд, с пейзажами Станислава Жуковского того времени.

Вибрирующим можно назвать импрессионистичный мазок картины «В утренней росе» 1907 года.

Что-то сезанновское есть в натюрморте «Яблоки» 1915 года. Творчеством этого мастера-постимпрессиониста в 1910-х годах увлекалось немало российских художников, среди которых , прежде всего, были мастера «Бубнового валета».

Среди работ Грабаря советского периода мне больше всего нравятся портреты. Среди них хочу выделить замечательный портрет «Светлана», написанный в 1933 году. В отношении того, кто изображен на этой работе, нет единого мнения.

И еще одну работу – «Автопортрет в шубе» 1947 года.

В них художник продолжает лучшие традиции портретистов-реалистов второй половины XIX века.

Долгое время из-за пандемии коронавируса не была в музеях. Но пропустить выставку Ивана Ивановича Шишкина в корпусе Бенуа в Русском музее для меня было просто невозможно. На ней представлены живописные полотна и графические работы этого мастера, которые являются частью огромной коллекции его произведений в Русском музее. Это прекрасная возможность увидеть вживую так много редко показываемых зрителям произведений этого художника.

В начале выставки представлен один из вариантов скульптурного портрета Шишкина работы Ильи Яковлевича Гинзбурга 1892 года.

При упоминании имени Шишкина обычно возникают в памяти картины с изображением русского леса. Это один из самых известных русских пейзажистов-реалистов второй половины XIX века.

На выставке представлен один из карандашных эскизов к знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» (1889), которая хранится в Третьяковской галерее. Напомню, что медведей на картине написал художник Константин Савицкий, который поставил на ней свою подпись вместе с Шишкиным. Однако купивший картину Павел Третьяков снял подпись Савицкого, поскольку считал, что замысел полотна целиком принадлежит Шишкину. Это подтверждают его эскизы к картине, в том числе и тот, который демонстрируется на этой выставке.

Еще один эскиз карандашом 1890 года на выставке – подготовительная работа к известной картине «На Севере диком» (1891) из собрания Киевского музея русского искусства по мотиву стихотворения Лермонтова «Сосна».

Шишкин виртуозно владел различными графическими техниками – карандашом, пером, кистью, также работал в технике гравюры. Интересной идеей устроителей выставки является показ одновременно в одной витрине медного листа, с которого делал художник офорт, и сам офорт «Ай-Петри» 1882 года.

Демонстрируются на выставке типичные для пейзажиста этюды, на которых он стремится выписать каждые травинку и цветок на переднем плане. Один из них – этюд «Травки» 1892 года. Необходимо заметить, что иногда при создании подобных работ художник использовал фотографии.

Но больше всего меня поразил на выставке малоизвестный шедевр Шишкина, который перекликается с пейзажами «настроения» Саврасова и Левитана. Это замечательное полотно «Перед грозой» 1884 года.

Пронизанная солнцем и создающая ощущение жаркого дня картина «На задворках» 1880-х – 1890-х годов близка к пленэрным работам Василия Дмитриевича Поленова.

Шишкин стремился правдиво передать различные природные явления. Например, эффектны солнечные лучи, проходящие сквозь тучи в работе «Последние лучи» (между 1863 и 1865).

Попытку передать туман можно отметить в небольшом этюде «Крестовский остров в тумане» конца 1860-х – начала 1870-х годов.